Helen Frankenthaler: Berührende Farbwelten im Museum Reinhard Ernst
Mit einem einzigen technischen Bruch veränderte Helen Frankenthaler die abstrakte Malerei grundlegend: Ihre Soak-Stain-Methode ließ Farbe zu Raum werden und machte sie zur Schlüsselfigur der Farbfeldmalerei. Die Ausstellung „Helen Frankenthaler. Move and Make“ zeigt, wie radikal, experimentell und einflussreich ihr Werk ist – und warum ihre Bildsprache bis heute als Impulsgeberin für die zeitgenössische Abstraktion gilt.
Nach Schauen in unter anderem Basel und New York würdigte das Museum Reinhard Ernst in Wiesbaden die Künstlerin nun mit der umfassenden Einzelausstellung „Helen Frankenthaler. Move and Make“, die bis zum 5. Oktober 2025 zu sehen war. Rund fünfzig Werke aus der Sammlung des Unternehmers Reinhard Ernst ermöglichten einen breiten Überblick über das Schaffen einer Malerin, die das Verhältnis von Farbe und Leinwand grundlegend veränderte und Generationen von Künstler:innen beeinflusste. In der Zusammenstellung der Schau verdichtete sich, was ihre Bildsprache so unverwechselbar macht: Eine tastende Kunst, die mit Entschiedenheit der eigenen Entfaltung nachspürt und mutig eine individuelle Innenschau offenbart, die sich zugleich als eigene Weltschau aufspannt.

156,8 x 266,7 cm, © Helen Frankenthaler Foundation, Inc. / VG Bild-Kunst,
Bonn 2025, Foto: Martin Url, Frankfurt
Soak-Stain-Technik
Im Jahr 1952 schuf Helen Frankenthaler mit Mountains and Sea ein Schlüsselwerk, indem sie verdünnte Ölfarben direkt auf eine ungrundierte Leinwand goss. Die Farbe sog sich in das Gewebe, wurde Teil des Materials und löste dadurch die Trennung von Malgrund und Medium auf. Damit war ihr entscheidender Beitrag zur Malerei – die Soak-Stain-Technik – begründet. Diese Methode war zugleich kontrolliert als auch offen für den Zufall. Anstatt eine Komposition von Beginn an festzulegen, ließ die junge Künstlerin also die Farbe „fließen“, beobachtete ihre Bewegung und beschloss erst durch das spätere Zuschneiden der Leinwand den endgültigen Bildausschnitt. So entstand eine Malerei, die von allen Seiten bearbeitet werden konnte und die das traditionelle Verhältnis von Malgrund und Farbauftrag radikal veränderte. Für Helen Frankenthalers waren Leinwände keine statischen Kompositionen, sondern fließende Felder und wogende Farbmeere.
Werke wie das im Rahmen der Ausstellung gezeigte Beach Horse (1959), machen dies unmittelbar erfahrbar. Farben verlaufen ineinander, sickern in die Leinwand hinein, stoßen aneinander, überlagern sich und öffnen Räume, die Blicke in Bewegung versetzen und sich in jedem Betrachtungsmoment neu konfigurieren. Beach Horse gilt als Frankenthalers einziges Werk auf einem „shaped canvas“, einer Leinwand, deren Kontur nicht dem üblichen rechteckigen oder quadratischen Format folgt, sondern frei geformt ist. Das Gemälde verdeutlicht eindrücklich, wie die Künstlerin den Bildträger nicht als Begrenzung hinnimmt, sondern ihn den Anforderungen ihres künstlerischen Ausdrucks anpasst.,

Der Lauf der Dinge
Doch Frankenthalers Farben erzählen auch jenseits der fließenden Felder – ein Blick auf ihre frühen Arbeiten macht dies sichtbar. Dass Reinhard Ernst auch Werke aus einer Periode besitzt, in der die Künstlerin die Soak-Stain-Technik noch nicht entwickelt hatte, erschließt sich jedoch nur beiläufig bei einem Streifzug durch die ständige Sammlung. Warum das Aquarell Provincetown Bay (1950) nicht Teil der Sonderausstellung ist, bleibt unklar. Dabei markiert das Werk einen Schlüsselmoment in frühen Farbversuchen und steht exemplarisch für ihre künstlerischen Anfänge. Die untriebige Künstlerin malte das Aquarell im Rahmen eines Sommerseminars beim deutschen Künstler Hans Hoffmann (1880–1966) in Provincetown, Massachusetts. Mit feinen Linien rekonstruierte sie die Ansicht des dortigen Hafens und ließ Aquarellfarbe im Papier versickern. Dieses Prinzip griff sie später im größeren Format mit ihrer Soak-Stain-Technik wieder auf.
Bei Betrachtung der frühen Arbeiten wird zudem sichtbar, dass die Künstlerin ab den 1960er-Jahren von Öl- zu Acrylfarben wechselte, da ersteres auf ungrundierten Leinwänden langfristig das Gewebe zerstört. Mit Acryl konnte sie die Technik weiterentwickeln und schärfere Kanten erzeugen. Im weiteren Verlauf der Ausstellung zeigt sich jedoch, dass sie in ihrem Spätwerk wieder zur Ölfarbe zurückfand. So hebt sich For Hiroshige (1981) – das Werk, mit dem Reinhard Ernst im Jahr 2011 seine Sammlung begründete – mit seinen dichten, schwer zerfließenden Farbspuren deutlich von den leicht, gar schwebend anmutenden Acrylbildern ab.
Während diese Unterschiede im Materialgebrauch den Wandel ihrer Maltechnik verdeutlichen, eröffnet sich im nächsten Blick ein weiterer entscheidender Aspekt ihres Werks: ihr Malprozess.

Zwischen Zufall und Geste
Helen Frankenthalers Formen übertragen die Dynamik einer fast körperlichen Dimension des Schaffensakts. Inspiriert von Jackson Pollocks „Action Painting“ folgte sie ihrem Impuls, der Bewegung freien Lauf zu lassen. Ihre Gabe war es, natürlich und kreativ frei zu malen, das Unkontrollierbare zuzulassen, unter vollem körperlichem Einsatz. In Wiesbaden erlauben großformatige Fotografien an den Wänden oberhalb der Werke in den Ausstellungsräumen einen Einblick in den Schaffensprozess der Künstlerin. Sie verleihen der Inszenierung zwar eine persönliche Note, sind jedoch an mancher Stelle leider nicht optimal angebracht, sodass sie die monumentalen Leinwände in ihrer Entfaltung einschränken.
Was sich in körperlichem Einsatz und spontanen Gesten ankündigt, setzt sich in der Wirkung ihrer Bilder fort. Ihre Arbeiten gleichen fein choreografierten Tänzen mit dem Kunstwerk und Dialogen unter den Farben. Keinesfalls verhalten scheinen die Farben ihre gegenseitigen Einflüsse auszuhandeln. Rainer Maria Rilke schrieb in einem Brief über Cézannes Werk einmal: „Es ist, als wüßte [sic], jede Stelle von allen. So sehr nimmt sie teil; so sehr geht auf ihr Anpassung und Ablehnung vor sich; so sehr sorgt jede in ihrer Weise für das Gleichgewicht und stellt es her: wie das ganze Bild schließlich die Wirklichkeit im Gleichgewicht hält.”1
Frankenthalers Malerei suggeriert eben dieses Gleichgewicht der Farben im wechselseitigen Dialog. Das Bild wird zum Ort der Auseinandersetzung von Farbkräften, deren Zusammenspiel eine Schwingung im Bildinneren hervorruft. Dieser Sog fesselt – wer eine Weile vor den Leinwänden verweilt, spürt das Flirren, die Spannung, die ihre Kunst hervorzubringen vermag.

Herkunft und Haltung – Wege in die Avantgarde
Während ihre Bilder von Harmonie und Ausgleich erzählen, musste die New Yorkerin ihre Position im Kunstsystem selbst behaupten – sowohl als Frau als auch als Künstlerin privilegierter Herkunft.Auf die Frage, wie sie sich als weibliche Künstlerin wahrgenommen fühle, antwortete Frankenthaler in einem Interview dem Kurator Henry Geldzahler, dass sie sich in erster Linie mit dem Malen beschäftigte, nicht mit ihrer eigenen Identität2 Dies sei ihrer Meinung nach die Voraussetzung erfolgreicher Künstler:innen: sich selbst treu zu bleiben. Und es war eben genau diese Einstellung, die es ihr schließlich ermöglichte, sich einen Weg in die New Yorker Avantgarde der 1960er-Jahre, als eine der Wegbereiterinnen der zweiten Generation des abstrakten Expressionismus, zu bahnen.
Aus einer wohlhabenden bürgerlichen Familie stammend, genoss sie das Privileg, an den besten Malschulen und Akademien zu studieren. Vor allem aber wusste sie um die Verhaltenskodizes der Kunstszene und den Habitus der Sammler:innen. Ein Informationstext der Ausstellung hebt ihre „Kühnheit groß zu malen“ hervor. Ein treffender Hinweis, da größere Formate mehr Aufmerksamkeit erregen und damit auch die Chance auf Anerkennung erhöhen. Es scheint aber, dass sie aufgrund ihres sozialen Hintergrunds recht früh in ihrer Laufbahn großformatig malen konnte, während Kolleginnen wie Grace Hartigan oder Elaine de Kooning länger auf kleine Formate beschränkt blieben.

Von der Spur zur Resonanz
Als ehrgeizige Person bahnte sie sich ihren Weg und setzte ein starkes Signal in einer von Männern dominierten Kunstwelt. Dabei nutzte sie die Freiräume ihrer Herkunft und ihres Umfeldes, die vielen ihrer Kolleg:innen verschlossen blieben. Eine umfassendere Kontextualisierung ihrer Ausgangslage könnte ein vollständigeres Bild ihrer Identität vermitteln und gleichermaßen zeigen, wie stark künstlerische Laufbahnen mit gesellschaftlichen Voraussetzungen verflochten sein können.
Die Bedeutung der Farb-Pionierin erschöpft sich nicht in ihrem historischen Beitrag. Ihre Techniken und ästhetischen Prinzipien haben nachfolgende Künstler:innengenerationen tief geprägt – der offene Umgang mit Farbe und Raum inspiriert bis heute. Auch zeitgenössische Positionen greifen diese Impulse auf und erforschen neue Möglichkeiten der Abstraktion.
Das Museum Reinhard Ernst knüpft daran an, wenn es am 26. Oktober 2025 mit einem zweiten Teil der Frankenthaler-Ausstellung die aktuelle Relevanz ihrer Malerei in den Blick nimmt. Mit Jenny Brosinski, Ina Gerken und Adrian Schiess treten drei Gegenwartskünstler:innen in Dialog mit der abstrakten Expressionistin und zeigen, wie lebendig ihr Erbe in der heutigen Kunst geblieben ist. Ein Besuch der Ausstellung „Helen Frankenthaler. Move and Make” lohnt sich – der ungebändigte, natürliche Charakter ihrer Malerei ist berauschend, sinnlich und ansteckend.
- Rilke, Briefe über Cezanne, Paris, 22. Oktober 1907 [↩]
- Geldzahler, H. (1965, October). An interview with Helen Frankenthaler. Artforum, 4(2 [↩]
OpenEdition schlägt Ihnen vor, diesen Beitrag wie folgt zu zitieren:
Carla Veit (1. Dezember 2025). Helen Frankenthaler: Berührende Farbwelten im Museum Reinhard Ernst. the ARTicle. Abgerufen am 11. März 2026 von https://doi.org/10.58079/15926


